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STANLEY KUBRICK


Un destin de réalisateur


Pendant ses premières années de photographe de magazine, Kubrick fréquente assidûment les salles de cinéma. Ses goûts sont éclectiques, avec une préférence pour le cinéma d'auteur européen comme Bergman, Antonioni, Fellini . Les films de Max Ophüls – mouvement complexe et sans heurt de la caméra, travelling – vont influencer fortement le jeune Stanley Kubrick au début de sa carrière cinématographique mais vont également le vouer aux gémonies d'une partie de la critique française, Les Cahiers du cinéma notamment, dans lesquels Jean-Luc Godard décrit un « cinéaste tape-à-l'½il qui copie froidement les travellings d'Ophüls ».




Premiers films

En 1950, Stanley Kubrick, âgé de 22 ans, se décide à sauter le pas et se lance avec un ami d'enfance dans le cinéma de façon autodidacte : il n'a jamais fréquenté d'école de cinéma.


Ce qui fit démarrer le premier film de Kubrick fut une conversation qu'il tint avec un vieux camarade d'école, Alex Silger, qui était employé de bureau à la March of Time. Silger révéla à Kubrick que cette compagnie avait consacré 40000 dollars à la réalisation d'un documentaire d'une bobine : Kubrick calcula qu'il aurait pu faire la même chose pour 1500 dollars. Voilà pourquoi, en 1950, âgé de vingt et un ans et employant 3800 dollars qu'il avait économisés sur son salaire, il réalisa Day of the Figth, film basé sur une de ses séries photographiques pour Look, Prize Fighter. Il usa d'une simple caméra 35 mm, une Eyemo qu'on ne pouvait charger que de pellicule pour la lumière du jour, après avoir passé une matinée chez son fournisseur afin d'apprendre comment la charger et la manier. Un employé de cette société, Burt Zucker, lui enseigna de plus comment couper et coller la pellicule et comment user de la moviola et du synchroniseur qu'il avait loués. Kubrick jugea que les aspects techniques de la réalisation cinématographique n'étaient pas difficiles.



Courts métrages et série TV


Entre 1950 et 1951, Kubrick réalise deux documentaires filmés en 35mm, consacrés à un boxeur et à un missionnaire.
Day of the Fight permet de suivre pendant une journée le boxeur poids moyen Walter Cartier. Day of the Fight, documentaire sur le boxeur Walter Cartier ne se fait remarquer que par le brillant de sa photographie et par Sa construction sans détours. le budget optimiste de Kubrick et son talent avéré de photographe lui avait donné l'assurance qu'il fallait pour réaliser ce projet et contribuèrent aussi à faire vendre le film. "Même si mes deux premiers films étaient mauvais, ils étaient bien photographiés et ils avaient quelque chose de brillant qui impressionnait les gens.
D'une durée de 16 minutes et filmé comme un reportage, ce film utilise la technique du travelling compensé, technique que l'on retrouvera par la suite dans tous les films de Kubrick.

Day of the Fight coûta 3900 dollars à Kubrick qui le vendit pour 4000 dollars à RKO-Pathé ; c'était, lui dit-on, plus que ces gens n'avaient jamais payé pour un court-métrage. La March 0f Time devait cesser son activité mais lui, Kubrick, allait de l'avant avec un nouveau court-métrage pour RKO-Pathé : ce fut The Flying Padre qu'il définit précisément comme "une chose idiote à propos d'un prêtre du Sud ouest qui, dans un petit avion, vole vers sa paroisse isolée ". The Flying Padre rentra tout juste dans ses fonds à cause du coût élevé des extérieurs. D'une durée de 9 minutes, ce film sera en partie financé et distribué par la RKO.

Dans ces deux films, Kubrick fit tout lui-même : il fut scénariste, réalisateur, cameraman, ingénieur du son et monteur. Ayant acquis cette initiation générale à l'art de faire des films et deux succès mineurs, il démissionna en bonne et due forme de Look afin de se vouer à plein temps à la réalisation cinématographique. Il persuada un poète de ses amis, Howard Sackler, d'écrire un scénario de fiction, Fear and Desire, et commença à collecter des fonds.



En 1951, il divorce de sa première femme, Toba Metz. En 1952, à la demande de Richard de Rochemont, futur producteur de son premier film Fear and Desire, Kubrick coréalise un épisode pour la série télévisée Omnibus consacré à Abraham Lincoln. Par la suite il réalise plusieurs épisodes toujours en qualité d'assistant réalisateur. En 1953, Kubrick réalise son premier documentaire en couleur The Seafarers (les marins). On retrouvera dans ce film promotionnel sur la marine marchande les travellings à la Max Ophüls







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#Posté le jeudi 08 novembre 2007 19:24

Modifié le mardi 26 août 2008 10:26

STANLEY KUBRICK









Premiers longs métrages

Fear and Desire

En 1953, il réalise à l'âge de 25 ans son premier long métrage : Fear and Desire (Peur et désir) tourné près de Los Angeles. Ce film, produit avec l'aide de ses proches et de Richard de Rochemont, raconte l'histoire d'un groupe de soldats chargés d'éliminer une troupe ennemie dans une guerre fictive ; à la fin du film, les soldats voient leurs propres visages dans les visages de leur ennemi.

Ce film reçoit une critique honorable, ce qui encourage Kubrick : il quitte définitivement le magazine Look. Pendant le tournage du film, il rencontre sa future femme Ruth Sobotka. Mais le film sera un échec commercial. Plus tard, le trouvant trop présomptueux et immature, il le retire des circuits de distribution et en interdit toute projection.



Le Baiser du tueur

En 1954, Le Baiser du tueur (Killer's Kiss), son second long métrage, film très court tourné dans les rues de New York, raconte l'histoire d'un boxeur minable obligé de fuir la mafia. L'histoire n'est pas très originale. Pourtant, ce film démontre le talent de Stanley Kubrick pour la photographie, qui fut récompensé par un Léopard d'or au Festival de Locarno, et confirme la maîtrise technique et l'originalité dans la scène de règlement de compte avec les mannequins. Il y prouve ses capacités à jouer avec l'ombre et la lumière. Avec ce film il attire l'attention de James Harris, producteur indépendant, ensemble ils fondent la Harris-Kubrick Pictures.



L'Ultime Razzia

En 1956, de leur association naît le troisième film de Kubrick : L'Ultime Razzia (The Killing), encore une fois l'histoire n'est pas très originale, un sniper doit abattre le cheval de tête dans une course hippique pour créer une diversion et ainsi faciliter le hold-up de la caisse des paris. Un film noir de braquage comme il en existait beaucoup à l'époque, mais Kubrick le sublime en fragmentant l'histoire que seule la voix-off permet de reconstituer. Cet emploi du flashback, très influencé par le Citizen Kane d'Orson Welles, aura une forte influence sur Quentin Tarantino, qui dès Reservoir Dogs, va en faire une de ses marques de fabrique.

Au cours du tournage, il démontre à son équipe technique ses connaissances et son intérêt pour la photographie et la prise de vue. Pour lui, un réalisateur est à la fois metteur en scène et technicien. Il y affirme également son autorité : pendant le tournage, le chef opérateur, Lucien Ballard, change l'objectif que Kubrick avait choisi pour une scène avec un travelling, ainsi que son emplacement. Ballard explique à Kubrick que cela n'aura aucune incidence sur les changements de perspective. Calmement, le cinéaste lui intime l'ordre de remettre la caméra à son emplacement d'origine avec l'objectif initial, ou bien de quitter le plateau et de ne jamais y revenir. Ballard obéit et le tournage se termine tranquillement.

Malgré cela, on ne voit en lui qu'un nouveau maître de film noir. Orson Welles interrogé par André Bazin sur les autres cinéastes, déclare : «L'Ultime Razzia de Kubrick n'est pas trop mal ». Dans Les Cahiers du cinéma, Jean-Luc Godard lui reconnaît des qualités sans pour autant l'acclamer : « C'est le film d'un bon élève sans plus. Ce qui correspond, chez Ophüls, à une certaine vision du monde, n'est chez Kubrick qu'esbroufe gratuite. Mais il faut louer l'ingéniosité de l'adaptation qui, adoptant systématiquement la déchronologie des actions, sait nous intéresser à une intrigue qui ne sort pas des sentiers battus ».






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#Posté le vendredi 09 novembre 2007 13:57

Modifié le mardi 26 août 2008 10:16

STANLEY KUBRICK

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#Posté le vendredi 09 novembre 2007 14:04

Modifié le lundi 29 septembre 2008 13:51

STANLEY KUBRICK





LES FILMS DE LA MATURITE




Les Sentiers de la gloire


En 1957, sept ans après son premier court métrage, il dirige Kirk Douglas dans le film Les Sentiers de la gloire (Paths of Glory), film sur l'absurdité de la guerre.

Ce film se déroule durant la Première Guerre mondiale. L'armée française décide de lancer une de ses unités dans des attaques désespérées contre les lignes allemandes retranchées à Verdun. Pour l'exemple trois soldats innocents seront fusillés.

Harris et Kubrick envoient une copie du scénario à Kirk Douglas, lequel répond : « Stanley, je crois que ce film ne fera pas un rond, mais il faut absolument le tourner ».

Le film est tourné à Munich, en Bavière, avec 800 policiers allemands pour jouer les troupes françaises. On y voit apparaître des séquences qui caractérisent Kubrick et qu'il ne cessera de perfectionner par la suite, travelling compensé arrière, utilisation intelligente de la musique, mouvement complexe de la caméra sans heurt avec la marche ininterrompue du colonel Dax dans les tranchées de ses soldats filmée avec une Dolly, scène que l'on retrouvera dans le labyrinthe de Shining mais tournée avec une steadicam (mouvements plus lents, demi-tour, etc.). La scène du chant de la jeune prisonnière, jouée par sa future épouse, l'actrice allemande Christiane Susanne Harlan, montre la capacité de Kubrick à filmer l'émotion sans tomber dans la sensiblerie . Pour l'anecdote, il rencontre Christiane pendant le tournage, et divorce de Ruth Sobotka en 1957, pour épouser Christiane en 1958. Son frère, Jan Harlan, deviendra le producteur exécutif de Kubrick à partir de 1975.

Le film est projeté à Munich le 18 septembre 1957 . Il est perçu comme une critique directe de l'armée française, proche des événements réels de 1917. Le film reçoit plusieurs récompenses dont le prix Chevalier de la Barre. Sous la pression d'associations d'anciens combattants français et belges, le gouvernement français proteste auprès de la United Artists, mais ne demande pas la censure du film. Devant l'ampleur du mouvement contestataire, les producteurs du film ne le présentent pas à la commission de censure. Le film ne sera projeté en France qu'en 1972. De nombreux pays en Europe, comme la Suisse, refusent également de le diffuser .

Dans l'½uvre de Kubrick, c'est le film préféré de Steven Spielberg .





Spartacus



De retour aux États-Unis, Kubrick travaille sur le scénario d'un western avec comme vedette Marlon Brando. Après six mois de travail de préparation, le cinéaste et l'acteur se fâchent. Marlon Brando, star hollywoodienne, obtient facilement le départ de Kubrick et décide de réaliser, seul, La Vengeance aux deux visages.

Au même moment sur un autre film, Kirk Douglas, acteur et producteur principal du péplum hollywoodien Spartacus et insatisfait du travail d'Anthony Mann, sollicite Kubrick pour terminer le film. Après le succès commercial des Sentiers de la Gloire, celui-ci accepte et termine le film ; le tournage dure 167 jours, partagé entre la Californie et l'Espagne pour les scènes de combat tournées avec 10 000 figurants de l'armée espagnole.

Mais des conflits artistiques apparaissent rapidement avec Kirk Douglas et le directeur de la photographie Russel Metty. Kubrick parvient toutefois à tirer son épingle du jeu, il interviendra notamment sur le scénario, basé sur l'histoire vraie du soulèvement d'esclaves romains, qu'il trouve moralisateur et sans intérêt [« Dans Spartacus, j'ai essayé de rendre l'histoire aussi authentique que possible. Je devais lutter principalement contre un scénario bête. » Kubrick, cité par Michel Ciment, 1980].
Le film obtient un grand succès critique et commercial et gagne quatre Oscars. Quelques années plus tard, Kubrick renie le film dont il garde un souvenir amer [« Je n'étais qu'un employé. » Kubrick, cité par Michel Ciment, 1980] . Dans l'½uvre de Kubrick, c'est le film le plus impersonnel .









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#Posté le dimanche 11 novembre 2007 16:23

Modifié le mardi 26 août 2008 16:18

STANLEY KUBRICK






Kubrick réalisateur indépendant



Son exil à Londres

En 1961, Kubrick s'exile et quitte définitivement les États-Unis pour s'installer avec sa famille dans le Hertfordshire, dans la banlieue de Londres en Angleterre.

Les raisons de son exil sont nombreuses : au début des années 1970 le gouvernement britannique favorise la création cinématographique sur son sol par des aides financières généreuses [Pour bénéficier du plan EADI, le réalisateur doit tourner son film sur le sol anglais avec des techniciens et des acteurs britanniques.]. Pour la réalisation de son futur projet Lolita, Kubrick préfère contourner la censure et les ligues puritaines américaines . Pendant le tournage de Lolita, Kubrick et sa famille trouvent le mode de vie anglais plus adapté à leur style de vie et décident d'acheter une grande maison au nord de Londres .

Kubrick dira : « À côté de Hollywood, Londres est probablement le deuxième meilleur endroit pour faire un film, en raison du degré d'expertise technique et des équipements que vous trouvez en Angleterre ».





Lolita

En 1962, Kubrick réalise Lolita, son premier film polémique sur le sol anglais, d'après le sulfureux roman de Vladimir Nabokov.

Pour la rédaction du scénario, il sollicite l'écrivain; ils vont écrire ensemble une nouvelle version du roman. Un scénario jugé plus acceptable pour un film commercial, le livre avait été publié pour la première fois en France comme ouvrage pornographique.

Un homme d'âge mûr, James Mason, est pris d'une passion ardente pour une adolescente, Lolita, âgée de 12 ans dans le livre, 15 ans dans le film interprétée par Sue Lyon qui obtiendra le Golden Globe de la meilleure actrice. Peter Sellers y fait une interprétation remarquée.

Le film, tout comme le roman provoque la foudre des puritains, qui trouvent le film trop sulfureux malgré sa mise en scène très chaste, bien éloignée de l'imagerie fantasmatique et des orgies d'Eyes Wide Shut, réalisé trente-sept ans plus tard, ou même des allusions sexuelles explicites de l'ouvrage de Nabokov. À la sortie du film, Kubrick avait reconnu que s'il avait pu prévoir la sévérité des censeurs américains (la censure l'obligea à couper des scènes au montage et à remanier certaines séquences jugées trop licencieuses), il aurait probablement renoncé à la réalisation du film .

Le film est présenté au Festival de Venise en 1962, mais la critique est déçue . Le schéma d'accueil de ses films par la critique, dont la plus virulente est Pauline Kael, sera toujours le même par la suite : une partie ne lui fait pas de cadeau, tandis que l'autre l'admire.

Ce premier film polémique sera un succès Outre-Atlantique, sans nul doute nourri par la controverse.

Il s'agit du dernier long-métrage produit par Kubrick-Harris. À partir de Lolita, Kubrick produit et réalise seul ses films et la Warner les distribue.





Docteur Folamour


En 1963, Kubrick prépare son second film polémique et le premier opus d'une trilogie de films de science-fiction, Docteur Folamour ou : Comment j'ai appris à cesser de m'inquiéter et à aimer la bombe (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb), considéré comme un chef d'½uvre d'humour noir.

Kubrick se tient constamment au courant de l'actualité et s'abonne à des revues militaires et scientifiques . Il lit le roman de Peter George, Red Alert, paru en Angleterre sous le titre de Two Hours to Doom . Il réfléchit depuis longtemps à une histoire où une guerre nucléaire serait déclenchée soit par accident, soit à cause de la folie d'un personnage . Le roman de Peter George correspond à ses attentes. Il s'associe avec Peter George et Terry Southern, auteur du scénario de Easy Rider, pour préparer le scénario, et travaillera la photographie du film avec le photographe Weegee.

Le tournage débute le 26 janvier 1963, aux Studios Shepperton de Londres, pour s'achever quatre mois plus tard[28]. La distribution comprend Peter Sellers qui tient les rôles du président des États-Unis, du docteur Folamour, ancien chercheur nazi et handicapé recruté par l'armée américaine (clin d'½il à la trajectoire de plusieurs scientifiques nazis, dont Werner von Braun), et du colonel britannique Lionel Mandrake. Une très grande liberté d'improvisation est laissée à Peter Sellers, filmé par trois caméras, tandis que le reste de la distribution et l'équipe technique doivent observer une grande rigueur. Le film doit se conclure par une bataille de tartes à la crème dans la salle de guerre, avec le président et tous ses conseillers militaires. La scène est filmée, nécessitant des semaines de tournage, mais Kubrick décide de la retirer du montage final.

Farce burlesque où la guerre nucléaire totale est déclarée suite à l'action d'un commandant devenu fou et d'un système de défense automatique, ainsi que satire des milieux politico-militaires, ce nouveau film sort en pleine Guerre froide. Le risque de voir l'un des deux protagonistes employer l'arme atomique est élevé. Un problème de taille apparaît : un film réalisé par Sydney Lumet, Point limite, avec Henry Fonda dans le rôle principal, traitant du même sujet, est sur le point de sortir. Kubrick intente un procès pour plagiat, et obtient gain de cause. Le film de Lumet ne sortira qu'en 1964. Docteur Folamour sort sur les écrans le 29 janvier 1964, et se trouve nominé quatre fois à l'Oscar : meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur acteur, meilleure adaptation cinématographique.





2001 : l'odyssée de l'espace


À partir de cette époque, Kubrick travaille de plus en plus lentement, poussant de plus en plus loin son perfectionnisme et sa volonté d'expérimentation technique. Kubrick va passer cinq ans à développer son film suivant 2001 : l'odyssée de l'espace (2001: A Space Odyssey), qui, par sa beauté plastique et sa mise en scène, marque un tournant dans le cinéma mondial, en particulier dans le domaine de la science-fiction.

Pour la rédaction du scénario, il sollicite l'écrivain Arthur C. Clarke alors au Sri Lanka et qui a écrit La Sentinelle dont le film est inspiré.

Le tournage du film, sous le titre provisoire de Voyage au-delà des étoiles, débute le 29 décembre 1965 , dans un premier temps aux studios Shepperton, puis se poursuit aux Studios Borehamwood, plus proches de la villa où Kubrick a emménagé. MGM et Cinérama financent le film, dont le budget s'élève à six millions de dollars . Pour la première fois, le cinéaste interdit le plateau de tournage à la presse, ce qu'il fera systématiquement par la suite.

Kubrick n'est pas un partisan des films où les décors et les monstres sont en papier mâché ou en carton. Il souhaite que les décors de son film soient techniquement réalisables dans le futur qu'il présente. C'est Tom Howard, lauréat de l'Oscar des meilleurs décors en 1946 pour Le voleur de Bagdad , qui est chargé de réaliser les décors de la savane préhistorique. Wally Veevers conçoit les vaisseaux et le bus lunaire. On construit également une centrifugeuse de 750 000 dollars. Pour les effets spéciaux, Kubrick s'entoure d'éminents collaborateurs parmi lesquels Harry Lange, ancien conseiller de la NASA, et Marvin Minsky, directeur d'un laboratoire d'intelligence artificielle . Souhaitant une vision de l'espace éloignée des bandes dessinées et proche des observations scientifiques, il prend pour chef opérateur Geoffrey Unsworth, spécialisé dans la science fiction. Technicien habile, celui-ci va utiliser le format Super Panavision 70 et bénéficier du perfectionnement de nouvelles techniques (socles, grues, perches, bras articulés), permettant rotations et mouvements "aériens" de la caméra comme si elle-même était en apesanteur. Il va également ajuster, sur les conseils et avec l'aide d'astronautes et de spécialistes dans le domaine, ses éclairages pour être conforme à la volonté très précise du cinéaste. Le tournage va nécessiter quatre mois de travail pour les acteurs, et dix-huit pour les effets spéciaux.

Pour la première fois, il décide d'incorporer de la musique classique : Le Beau Danube bleu de Johann Strauss, Ainsi parlait Zarathoustra de Richard Strauss, et György Ligeti pour la musique de la séquence de la porte stellaire.

Arthur C. Clarke écrit un roman à partir du scénario et décide de l'appeler 2001 : l'odyssée de l'espace. Kubrick choisit ce titre pour son film et fait pression auprès de l'écrivain pour qu'il retarde la sortie de son livre. La réputation de Clarke est telle que le livre pourrait occulter le film. L'écrivain accepte et décide de lui dédier son livre. Le film est un triomphe dont l'influence est gigantesque : la NASA va emprunter les noms de Jupiter, Discovery ou Ulysse pour ses futurs projets. De son côté, George Lucas, réalisateur de Star Wars, déclare après la mort de Kubrick que si ce film n'avait jamais été fait, il n'aurait probablement pas réalisé sa saga.

Kubrick reçoit l'Oscar des meilleurs effets spéciaux, le seul et unique Oscar de sa carrière, pour la qualité de son travail. Une remarquable équipe l'a aidé dans cette tâche, mais comme Kubrick est à la fois concepteur et créateur de quasiment tous les effets spéciaux du film, c'est à lui que l'on décerne la statuette. C'est également le début de la légende que le cinéaste va volontairement se forger : celle d'un homme qui, tel un ordinateur, enregistre une incroyable quantité d'informations, devenant un expert de la mise en scène et en maîtrisant parfaitement tous les rouages.

Kubrick n'hésite pas à utiliser les dernières innovations techniques quand cela sert son ½uvre : ordinateur et projection frontale pour 2001, éclairage quasi à la lumière des bougies grâce à un objectif Zeiss développé pour la NASA dans Barry Lyndon, ou encore la steadicam dans Shining.





Orange mécanique

Orange mécanique est un film à la violence et à l'érotisme prémonitoire réalisé en 1971, d'après une adaptation assez fidèle par Kubrick qui travaille seul, du roman de l'écrivain britannique Anthony Burgess L'Orange mécanique (A Clockwork Orange). Le thème du double cher à Kubrick sera encore une fois développé dans ce film, avec Alex qui représente l'inconscient de l'homme, qui lutte entre le bien et le mal dans un monde qui s'effondre.

Au XXIe siècle, dans une Angleterre ou l'on ne sait plus comment enrayer l'escalade du crime, Alexandre de Large (Malcom Mac Dowell), le chef de la bande des droogs ou droogies, exerce avec sadisme une terreur aveugle sur fond de mouvement de la Symphonie n° 9 de Beethoven.

En Angleterre, le film va susciter une polémique très importante, qui sera aggravée par plusieurs faits-divers où des délinquants, portant les mêmes costumes qu'Alex, déclarent s'inspirer directement du personnage principal du film. Dans un premier temps, Kubrick ne tient pas compte de cette polémique. Les médias, frustrés par manque d'interlocuteur, se retournent vers l'auteur du livre qui se retrouve seul (ce qui va particulièrement l'irriter) à défendre un film auquel il n'a pas participé. Mais la controverse s'amplifie et, inquiété par les lettres de menaces de mort qu'il reçoit à son domicile, Kubrick oblige le studio Warner à retirer le film des écrans du Royaume-Uni.

Élu meilleur film de l'année 1972 par le New York Film Critics Circle, Orange mécanique sera l'un des plus gros succès de la Warner Bros malgré son retrait prématuré des circuits de distribution. Il est resté à l'affiche durant soixante-deux semaines .

« Il n'y a aucun doute qu'il serait agréable de voir un peu de folie dans les films, au moins ils seraient intéressants à regarder. Chez moi la folie est très contrôlée ! »





Barry Lyndon

Après trois films de science fiction, Kubrick frustré de l'abandon par la Warner Bros (à la suite de l'échec commercial du film Waterloo) de son projet sur Napoléon (avec Jack Nicholson dans le rôle de l'Empereur), réalise son premier film historique d'après le roman de William Makepeace Thackeray. La préparation du film a pris un an, Kubrick veut tourner un film à l'esthétisme proche des tableaux du XVIIIe siècle . Les intérieurs seront éclairés à la bougie, le visage des acteurs maquillés de blanc, les cheveux ternis par la poudre. La réalisation du film demandera plus de 250 jours de tournage en Grande-Bretagne et en Allemagne. Pour retrouver les conditions de lumière de l'époque, Kubrick s'astreint à un éclairage des scènes d'intérieur quasiment à la lueur de la bougie, avec un objectif spécial développé pour la NASA. Le diaphragme de l'objectif est de très grande ouverture (f/0.7), mais cela limite considérablement la profondeur de champ de la scène. Kubrick utilisera également les longues focales ce qui a pour effet d'« aplatir » l'image et recréer ainsi l'image d'un tableau de Le Nain ou de Fantin-Latour.

Au XVIIIe siècle, l'histoire commence au début de la guerre de Sept Ans (1756-1763), un jeune intriguant irlandais sans le sou, Redmond Barry (Ryan O'Neal) et de son ascension à sa déchéance, dans la fastueuse société anglaise après son mariage avec une riche Lady (Marisa Berenson), qui lui apporte une fortune considérable et un fils.

Si Barry Lyndon film à la réalisation longue et minutieuse est salué comme un film d'une grande beauté visuelle, en particulier les scènes éclairées à la bougie, c'est un échec commercial dans le monde entier sauf en France.

Les critiques seront sévères envers le film, jugé trop long, trop lent, et ennuyeux . Le film décroche pourtant quatre Oscar : meilleure direction artistique et décors, meilleure photographie, meilleurs costumes, meilleur arrangement musical. Pour la musique, Kubrick emploie des ½uvres de Bach, Mozart, Vivaldi, Haendel et surtout Schubert (avec le deuxième mouvement du deuxième trio), bien que ces compositeurs ne soient pas tous du XVIIIe siècle. La mort du fils de Barry Lyndon qui tombe de cheval a été rajoutée lors de l'écriture du scénario : cette scène clé amorcera la déchéance de Barry Lyndon père.

A la fin du tournage, Kubrick et Ryan O'Neal seront définitivement fachés.

Dans l'½uvre de Kubrick, ce n'est pas la musique qui sert le film, mais le film qui sert la musique .





Shining

Après l'échec commercial de Barry Lyndon, Kubrick entreprend l'adaptation du roman éponyme The Shining de Stephen King, et réalise Shining, film d'horreur comme l'Exorciste et Halloween. Le film est moins risqué financièrement, l'adaptation au cinéma d'un best-seller de Stephen King étant un gage de quasi-succès (les six derniers romans du maître de l'épouvante se sont vendus à plus de 22 millions d'exemplaires). Plus que tout autre film, Shining va consolider sa réputation de « mégalomane perfectionniste ». Une fois encore Kubrick et Diane Johnson co-sénariste vont modifier l'histoire du livre ; Stephen King, extrêmement mécontent, refuse d'apparaître au générique final du film [Plus tard, Stephen King va cosigner le scénario du livre pour la télévision, un téléfilm en deux parties. Le film terminé, Stephen King, magnanime, trouvera le film de Kubrick « pas si mal que ça ».]. Il ne sera pas le seul mécontent : aux États-unis, l'exploitation du film sera un échec, le public enrageant de n'avoir pas assez tremblé et reprochant aux deux scénaristes d'avoir abâtardi le genre et trahi l'esprit du livre. Comme à son habitude, la critique a été quasiment unanime pour huer le film .

Jack Torrance (Jack Nicholson), ex-professeur qui se voudrait écrivain, accepte le poste de gardien de l'hôtel Overlook isolé dans les montagnes rocheuses et fermé pour l'hiver. Il s'installe dans cet endroit coupé du monde, avec sa femme Wendy (Shelley Duvall) et son fils Danny (Danny Lloyd), qui possède un don de médium, le Shining. Progressivement, (la notion de temps disparaît complètement dans le film, Kubrick aura recours aux "cartons" pour marquer le passage du temps), Jack devient schizophrène (symbolisé par les s½urs jumelles), puis glisse doucement vers la folie (symbolisé par les visions de Jack) et la mort.

Le film sera tourné aux USA pour les extérieurs, à l'hôtel Timberline sur le mont Hood dans l'Oregon, et aux studio Pinewood et Elstree en Angleterre pour les intérieurs. Pour les scènes les plus complexes à filmer (la bagarre dans l'escalier ; la marche dans le labyrinthe, équivalente à la marche ininterrompue du colonel Dax dans les tranchées du film les sentiers de la gloire) ; la voiture de Danny qui parcourt à toute vitesse les étages de l'hôtel), Kubrick utilise une nouvelle caméra : la steadicam. Cette caméra avait déjà été utilisée dans les scènes de travelling sur les films Rocky et Marathon man. Pour Shining une version améliorée fut utilisée : l'opérateur pouvait raser les murs et coller au plus près du sol. Les différents décors de l'hôtel étaient contigus, ce qui a permis à Garret Brown de filmer l'hôtel en continu.

Le tournage sur plus d'un an, fut particulièrement difficile pour Shelley Duvall. Alors que Kubrick laissait une certaine latitude dans l'interprétation à Jack Nicholson, Shelley Duval devait répéter de 40 à 50 fois la même scène filmée en vidéo par le réalisateur . Plus tard Shelley Duval dira "Ce fut une expérience formidable, mais si cela était à refaire, je n'accepterais pas le rôle..." .

La photo finale qui termine le film, semblable à la fin quelque peu mystérieuse et ambiguë de 2001 : l'odyssée de l'espace, a engendré plusieurs interprétations par les fervents de Kubrick : selon la première, Jack Torrance, absorbé par l'hôtel, y deviendra un revenant de plus. Selon une autre, Jack a fréquenté l'hôtel hanté par les fantômes dans une vie antérieure, en 1921 ; Kubrick lui-même n'a jamais donné une réponse définitive, préférant laisser le soin aux spectateurs de décider par eux-mêmes.

Kubrick considère ce film comme son ½uvre la plus personnelle .





Full Metal Jacket

Kubrick veut tourner un vrai film de guerre, mais ni un film comme Apocalypse Now ou Voyage au bout de l'enfer, ni une parodie comme Docteur Folamour, ni un film antimilitariste tel les Sentiers de la gloire. La symbolique du film sera proche de celle d'Orange Mécanique où le héros, intellectuellement supérieur à ses camarades, doit lutter entre le bien et le mal dans un monde en guerre. Le personnage central du film, le soldat « Guignol » (Matthew Modine) va petit à petit perdre son âme aux États-Unis, symbolisé par l'agression de son « protégé » le soldat « Baleine » (Vincent D'Onofrio) et au Viêt Nam par l'exécution sans pitié d'une prisonnière vietnamienne.

Kubrick va détourner l'esprit du livre pour mieux imposer sa propre vision de la guerre, et de l'âme humaine, au grand mécontentement de l'écrivain Gustav Hasford. Mais son nom sera tout de même présent au générique final comme coscénariste.

La première partie du film suit l'entraînement et la formation d'un groupe de jeunes recrues américaines dans un camp de marines à Parris Island, aux États-Unis en 1968, pendant la guerre du Viêt Nam. La deuxième partie du film se déroule au Viêt Nam et montre le baptême du feu des marines à Da-Nang puis la sanglante bataille du Têt dans la province de Hué.

Le film est entièrement tourné en banlieue de Londres, quelques plantes « exotiques » servent de décors d'arrière-plan, les scènes de combat sont tournées dans une usine désaffectée, l'île de Parris Island est recréée dans une ancienne base militaire britannique. Kubrick utilisera plusieurs fois l'élargissement de champ pour modifier l'interprétation du spectateur lorsqu'il voit la scène de près puis de loin. Le tournage du film sera interrompu pendant quatre mois suite à l'accident de voiture de Lee Ermey, conseiller technique en sa qualité d'ancien instructeur des Marines et acteur principal de la première partie du film.

Le film sera un succès commercial, mais au fil des semaines le film sera éclipsé par la sortie du film de Oliver Stone, Platoon. Ermey obtiendra un Golden Globe Award du meilleur acteur.





Eyes Wide Shut

Plus de sept ans après la sortie de son dernier film, Stanley Kubrick se lance dans l'adaptation du roman la Nouvelle rêvée de l'écrivain autrichien Arthur Schnitzler, livre qu'il avait lu à la fin des années 1970. Le scénario sera une très fidèle adaptation du livre.

Après une confidence de sa femme (Nicole Kidman), laquelle a failli céder à la tentation d'un autre homme, le docteur Harford (Tom Cruise), obsédé par cette révélation, se perd dans la nuit new-yorkaise à la recherche de ses propres fantasmes. Un voyage entre le réel et l'imaginaire.

On retrouve encore une fois dans ce film ce qui a toujours fasciné Kubrick : le thème du double qui envahit tout et la perte d'identité, « nos pulsions les plus intimes, derrière les apparences ». Le tournage dure quinze mois de novembre 1996 à janvier 1998 et va bloquer la carrière de Tom Cruise pendant trois ans (deux ans de tournage, la sortie du film Mission Impossible sera retardée d'un an).

Comme à son habitude, le soir venu, Kubrick visionne sur vidéo les scènes tournées dans la journée et modifie au jour le jour le scénario en fonction des performances des acteurs. Après 6 mois de tournage, l'acteur Harvey Keitel claque la porte et est remplacé au pied levé par Sidney Pollack. Pour ouvrir une simple porte et faire son entrée dans une pièce, Tom Cruise doit répéter la scène plusieurs dizaines de fois.









Ce film est le testament de Kubrick, qui meurt d'une crise cardiaque dans son sommeil le 7 mars 1999. Il est enterré à côté de son arbre préféré dans le manoir de Childwickbury, dans le Hertfordshire, en Angleterre.

Eyes Wide Shut est sorti en salle en juillet 1999, 4 mois après la mort de Kubrick.











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#Posté le dimanche 11 novembre 2007 16:24

Modifié le mardi 26 août 2008 18:28

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